Иконы «галантного века» показали в Музее им. Андрея Рублева
Можно сравнить ситуацию XVIII века в России с тем, как если бы у вашего дома опрокинулся огромный грузовик с цветами, и вам нужно было бы их рассортировать по видам. Именно так в русскую культуру хлынули европейские художественные стили. Новая выставка «Икона «галантного века»» в Музее им. Андрея Рублева стремится помочь разобраться в многообразии направлений иконописи той эпохи, появившихся в период дворцовых переворотов.
Работы русской иконописи XVIII века на выставке поделены на пять тематических зон: от живоподобия к барокко, затем рококо, масляная техника и классицизм. Такое деление лишь отчасти следует хронологии. Хотя переходный этап представлен в начале экспозиции, важно понимать, что эти стили не сменяли друг друга последовательно, а сосуществовали параллельно. Европейские направления пришли в Россию практически одновременно, при этом в Европе они уже прошли этап осмысления. Несмотря на это, кураторы попытались расположить иконы в примерном порядке их создания, чтобы проиллюстрировать изменения в иконописи XVIII века.
Особое внимание привлекает работа Ивана Рожнова «Девять мучеников кизических с избранными святыми». В ней заметно влияние мастеров Оружейной палаты конца XVII века: преобладают вишнево-красный и зеленый цвета, задний план минималистичен — лишь контуры храма вдали (позднее фон станет более проработанным), а лики святых изображены без выраженных эмоций. В более поздних иконах появится детально прописанная среда — интерьеры церквей и пейзажи, не просто обозначенные, а изображенные с высокой степенью детализации.
«Девять мучеников кизических с избранными святыми» Ивана Рожнова.
Следующий экспонат — икона «Проповедь Иисуса Христа» — демонстрирует существенные отличия. Начиная с формы: вместо традиционного прямоугольника, автор использует архитектурные мотивы, напоминающие окно или фигурный проем, что отражает особенности иконостасов XVIII века. Изменилась и цветовая палитра: зеленый уступил место синему, а красный стал более насыщенным, ярко-алым. Изображения фигур также трансформировались: одежды кажутся движущимися и струящимися, а в ликах святых появляются эмоции, уходя от прежней безмятежности.
Икона «Проповедь Иисуса Христа».
Внимательный посетитель обратит внимание не только на новые художественные решения, но и на появление подписей авторов на многих иконах. В отличие от анонимного древнерусского искусства, мастера XVIII века начали подписывать свои работы, тем самым принимая личную ответственность за их качество. Эти иконописцы часто работали по заказам знатных родов, таких как Шереметьевы или Головины.
Образ «Богоматерь неувядаемый цвет» заметно отличается от привычных нам икон. Эта работа, обильно украшенная цветочными венками, демонстрирует влияние фламандской живописи и является ярким примером того, как в России адаптировали европейские художественные веяния, перерабатывая их на свой лад.
Еще один примечательный экспонат — икона Ивана Поспелова «Богоматерь и избранные святые в молении за душу грешника». Вероятно, это не храмовый образ, а часть частной коллекции, судя по размерам. Ее сюжет одновременно притягателен и необычен: Богоматерь и несколько святых, которые не всегда традиционно изображаются вместе (среди них Симеон Столпник, Иоанн Богослов, Петр, Павел, святая Евдокия). В центре композиции расположен золотой медальон с изображением руки, держащей весы, рядом с которыми — маленький силуэт человека. Предполагается, что сюжет иллюстрирует историю разбойника, который благодаря своим слезам покаяния и заступничеству Богородицы смог изменить свою участь. Весы символизируют «взвешивание» души, а платок, смоченный слезами на одной из чаш, указывает на принятие покаяния. Интересен фон: здесь изображены два неба — небесное, скрытое от нашего взора, и земное, наше. Они отчетливо разделены. Земля также прописана с высокой степенью конкретики, без условности — видны детали цветов, деревьев, гор.
«Богоматерь и избранные святые в молении за душу грешника» Ивана Поспелова.
Переходя от одного экспоната к другому, мы доходим до раздела, посвященного классицизму, который легко определить по свойственной ему композиционной симметрии, как, например, в иконе «Святители Петр, Алексий и Иона Московские». Важно подчеркнуть: хотя все эти направления пришли из Европы, русские мастера никогда не занимались слепым копированием. Они адаптировали западные веяния, пропуская их через призму собственных традиций. Возвращаясь к метафоре с цветами, следует помнить, что представленные на выставке работы создавались на протяжении XVIII века, часто параллельно друг с другом. В России сложно выделить строгую периодизацию этих стилей, которые пришли практически одновременно. В этом и заключается их уникальность — это не «розы к розам», а многогранный, живой букет.
Святители Петр, Алексий и Иона Московские.
